Regard sur l'art chrétien...

Cette belle et originale « incrédulité de saint Thomas fut peinte sur toile en 1636 par Simon Vouet, le plus grand artiste baroque français. Avec son pendant, la Cène, elle aété découverte en 1990 seulement, dans la chapelle d'un couvent proche de Paris.

La figuration est inhabituelle par divers aspects. Vouet ose montrer un Christ au corps livide, pour signifier qu'il était mort il y a encore quelques jours, et qu'il est ressuscité. Il n'est vêtu que de son linceul. Mais il est placé en pleine lumière, celle de la Résurrection. Comme le spectateur est plus bas d'une marche, il nous domine et dégage une majesté imposante, bénissant Thomas et les autres apôtres. Nous pouvons nous identifier aux disciples et contempler nous aussi le Ressuscité, grâce à la forme ouverte des peintures baroques : un des apôtres est en train de pénétrer dans le tableau à gauche et nous pouvons y entrer à sa suite.

Les peintres d'icônes orthodoxes représentent toujours Thomas de profil, ce qui est un symbole négatif. En effet, il a cru à la Résurrection u peu plus tard que les autres apôtres, même si'l s'est finalement écrié : « Mon Seigneur et mon Dieu ! ». Sur les icônes, seuls les personnages négatifs sont figurés de profil. Simon Vouet a suivi cette tradition, même si le XVIIe siècle français est très éloigné artistiquement des icônes. Là où Vouet est très original, c'est de peindre un Thomas fort laid, pour montrer que la beauté de l'homme réside dans sa foi en Dieu. Et que, quand il est incrédule, la laideur de son âme transparaît sur son visage. Sur la scène de l'apparition du Christ ressuscité, Thomas est presque toujours représenté de profil, même dans l'art occidental, pour signifier son manque de foi. Il touche la plaie du côté de Jésus et devient croyant. « Par ce que tu me vois, tu crois. Heureux ceux qui croiront sans avoir vu. » Saint Jean, en vert à côté du Christ, ne perd pas son temps à regarder ce que fait Thomas, il ne quitte pas Jésus des yeux : une belle idée de Vouet.

Peintre attitré de Louis XIII, parisien, il fut, après un séjour de 16 ans à Rome, le plus grand artiste baroque français. Virtuose de la couleur, Vouet marie brillamment les roses et bleus lavande raffinés, vermillon et jaune safran éclatants, vert jade acidulé. Les diagonales et les amples mouvements courbes, spécialement dans les drapés, sont typique de ce baroque à la française : un art de louange et d'allégresse. A l'inverse, la peinture classique, Raphaël à la Renaissance, Poussin au XVIIe siècle, David et Ingres au début du XIXe , donnent un sentiment de stabilité par l'immobilité de la composition.

Dans l'art baroque (par exemple en Flandres avec Rubens), la composition s'articule sure ces diagonales qui dramatisent la scène, comme si l'on jouait et chantait un oratorio (opéra sacré à sujet le plus souvent religieux, inventé à Rome au XVIe siècle par saint Philippe Néri). Cette mise en scène des vérités de la foi est caractéristique de l'époque de la réforme catholique après le Concile de Trente. Les peintures placées dans les églises étaient là pour rehausser la liturgie, soutenir la prière des croyants, et amener vers Dieu, par un choc esthétique, les incroyants qui entrent dans l'église. En cela elles étaient parfaitement fidèles aux recommandations du Concile tridentin, dans sa cession consacrée à l'art sacré. Elles sont l'équivalent des belles prédications de cette époque, qui savaient manier l'éloquence pour convaincre. Elles semblent dire aux spectateurs, dévots ou non, comme le Christ à saint Thomas : »Ne sois plus incrédule, mais croyant.

Marie-Gabrielle Leblanc